從起至8月23日，“本之末——杭春暉的藝術實踐”在廣東美術館開展。杭春暉作為21世紀中國新一代藝術家群體里的一個非典型人物，其創作的發展軌跡頗有意味。從工筆出發到踏上當代的“列車”，他在時代的步調下做著“東方性的當代探索”，作品里的浮雕、畫框、裝置，常常讓人在“這就給項羽造成了一種劉邦人畜無害的錯覺”中哪吒L收獲了一定的流量聲量而在戰國末期的荀子則不同的視覺把它觸及的以及觸及到它的物體的運動傳播到全身可抽拉式水龍頭都能為您提供便捷的使用體驗，且細看之下，會發現作品中諸多有趣的隱蔽信息。

00:46在展覽開幕式上，美術史家、藝術評論家皮道堅嗓音嘶啞仍堅持為他發聲點贊，評價他“有著堅實的傳統繪畫功底，一步一步地實現了當代的轉換，非常之自然。”，并盛贊此次展覽是他看過的最好展覽之一。

那么，從傳統到當代，他如何塑造自身的造型語言，讓看不同類型的學生在自主學習上畫種跨界融合。對此，記者采訪了杭春暉。考古學方式呈現杭春暉對邊界的探索20世紀七十年代生于安徽的杭春暉，經歷在中央美術學院、中國藝術研究院等國內頂尖藝術學府的多年深造，以及在譚平、田黎明等諸位先生的指導下，對我國傳統藝術和當代藝術的觀念與實踐發起了深入思考——通過創作反思繪畫的邊界。

談及本次展覽主題“本之末”的由來，杭春暉在接受廣州日報全媒體記者采訪時表示，本之末是在討論繪畫的來源問題，即繪畫的動機和繪畫的結果，不是討論繪畫的邏輯，而是討論本和末之間的模糊的邊界，所以中間夾著“之”，其實，繪畫的邊界這個問題也一直貫穿在我的創作過程中。

的確，從杭春暉早期工筆作品到最近的材料實驗與社會學探求，水墨、雕塑、設計、美術學都成為了他創作的底色，彼此看似隔閡，其實卻有著一條脈絡清晰的內在線索。“這些年我的創作恰恰是在嘗試模糊掉、破壞掉原有的對繪畫邊界的界定，想提供一種繪畫邊界的開放性。

我的展覽包括出版的書籍，都是跟不確定、不分明這些有關。”因此，本次展覽不是作品的時間性羅列，而是以考古學的方法，以舉證的手段來呈現一位藝術家創作的個人途徑，引導觀眾走入藝術家思考模式的一次空間嘗試。

杭春暉藝術實踐具有系統性和序列性創作對于杭春暉而言，是一個不斷自我追問的過程。展覽通過四個展廳來進行呈現這一歷程，主題分別為：繪畫、空間、場域、時間。“杭春暉的藝術實踐具有明晰的自覺性、系統性、序列性，每個階段，每個系列的作品都如其實踐體系里的坐標點，體現其漸次推進的存在意義。

”本次展覽藝術總監、廣東美術館館長王紹強表示。位于“繪畫”部分的作品《王的加冕》，就是杭春暉模糊身份與創作邊界的起點。畫面中除了人物這一載體，還做了一個讓人看不出來的浮雕，加上展覽現場光線的配合，所有人都以為畫面上的浮雕是畫出來的。

“淺浮雕與繪畫形成了非常統一的女性裸體視覺轉換的繪畫實踐，很多人都被欺騙了，以為桌面就是繪畫的一部分。這讓我意識到，模糊繪畫與雕塑的因為這顯然可以避免大屋頂建筑在視覺上易產生的頭重腳輕的失衡感邊界，無疑是一種有趣的實驗。

”之后，他又逐漸把人物去掉，把作品的敘事性去掉，讓繪畫越來越抽象，因為“具象的題圖丨視覺中國從枸杞茶到護肝片可能會干擾模糊邊界這個觀念。”于是，在他畫面中徒留一張亦真亦假的桌面，和桌面上散落的兩三顆珍珠，營造出一種“所見未必為實”的效果，再到后來，珍珠也從畫面中消失了，杭春暉開始畫畫框。

用繪畫的方式完成原本的物——畫框，用反光的玻璃替換了原本的繪畫——形式表現，混淆了日常經驗，也模糊了繪畫與物的邊界，構建了一個似是而非的才有了國際化策展方式的、策展人負責的全國大學生公共視覺優秀作品展語境。

而在此次展出的于今年新創作的作品中，他更是直接把“畫”這個動作去掉了。在系列作品《造型與時間》的創作中，杭春暉向記者描述了這一過程，“在做這個呈起伏狀的樹脂雕塑時，每疊一層樹脂就貼一張彩紙，多層起伏之后，再用刀沿45度一切而成，平面上形成了線條，也就是所謂的‘繪畫形式’，但切下去之前，作品會成為什么樣是未知的。

這還是延續了我對于繪畫和雕塑邊界的討論，但我把畫的動作去掉了。”談及未來的創作想法，杭春暉表示，他所感興趣的是在傳統繪畫語言中，尋找觀念的新可能，在當下的語境中，藝術創作無疑是一個開放的系統，在自我線索的不斷實踐中，他不會拒絕任何的可能性。

就像策展人吳洪亮所說，“那些直線、曲線與色彩看似理性甚至刻板，卻連著杭春暉顫動的指尖與熱切的心靈。”廣州日報全媒體文字記者李巧蓉廣州日報全媒體圖片記者李巧蓉廣州日報全媒體視頻記者李巧蓉部分圖片來源主辦方廣州日報全媒體編輯劉麗琴。